Узнайте все, что нужно знать о громкости при освоении музыки.

how-loud-should-my-master-be-featured-image.jpeg


«Насколько громким должен быть мой мастер» - это извечный вопрос, который доминировал во всех обсуждениях мастеринга на протяжении десятилетий, и который мы очень подробно обсуждали на протяжении многих лет. Это обманчиво простая концепция, которая может быть такой же сложной, как и сама музыка. Чтобы просто ответить на этот вопрос, не существует ОДНОГО рецепта, чтобы сделать всех мастеров громкими. Это действительно зависит от музыки. Но хорошая новость в том, что вы можете постоянно достигать оптимальной громкости за счет здорового сочетания критического прослушивания, практики и понимания ключевых факторов, которые напрямую влияют на громкость при мастеринге.

В этой статье к нам присоединяется директор по образованию iZotope Джонатан Винер,который делится своим видением всех аспектов громкости в мастеринге. Мы также будем ссылаться на предыдущие статьи об освоении iZotope, которые позволят вам изучить каждую тему, которую мы рассматриваем, более подробно.

Что такое громкость в мастеринге?

Громкость - это понятие, которое часто ошибочно воспринимается как чисто числовое значение. Когда мы думаем о громких звуках, мы часто ассоциируем их с высоким уровнем звукового давления - например, уровень звукового давления взлетающего самолета составляет примерно 110 дБ. Но на самом деле громкость в музыке больше связана с тем, как звук воспринимается нашими ушами и мозгом. Это происходит в наших головах на основе восприятия того, как музыка поражает нас. В конечном счете, громкость, которую мы пытаемся оценить, не является понятием, существующим исключительно в вакууме как простое числовое значение.

В этом контексте человеческого восприятия понимание громкости может иметь большое значение, особенно при мастеринге. Это открывает гораздо больше возможностей для мастеринг-инженера использовать творческие стратегии для создания впечатляющих, громко звучащих записей, которые выходят за рамки простого нажатия на лимитер. Давайте рассмотрим несколько факторов, которые могут напрямую влиять на громкость на этапе мастеринга.

Узнайте больше об определении громкости:



Факторы, которые напрямую влияют на громкость при мастеринге

Мониторинг и учет

Точный мониторинг и измерение являются основополагающими для освоения. Мы полагаемся на точность нашей среды прослушивания и инструменты измерения, чтобы мы могли принимать осознанные и эффективные решения при мастеринге, которые лучше всего служат музыке. Это также гарантирует, что громкость, к которой мы стремимся при мастеринге, эффективно транслируется на рынок и в уши слушателей.

Инструменты измерения, такие как Insight 2 и Tonal Balance Control, дают нам лучшее представление об общем звучании наших мастеров (частотная характеристика, тональный баланс, стереоизображение, громкость и т. д). Хотя измерение абсолютно необходимо, оно может быть эффективным только постольку, поскольку мы позволяем нашим ушам принимать точные, обоснованные решения в оптимальной среде прослушивания.

Мы также обсудили важность установки фиксированного откалиброванного воспроизведения для наших мониторов при мастеринге. Джонатан Винер рассказывает нам больше:

«Весь смысл точного мониторинга и измерения состоит в том, чтобы иметь возможность предвидеть, как запись будет транслироваться, когда она действительно выйдет в мир. Таким образом, мы должны установить какой-то стандарт для себя и своей среды прослушивания. Другими словами, если мы в студии мастеринга постоянно увеличиваем и уменьшаем громкость монитора, мы теряем опору и ориентир. Если мы установим наш контроллер монитора на единичный/откалиброванный уровень, теперь мы понимаем звук и то, как он будет передаваться конечному пользователю ».
Узнайте больше о мониторинге и измерении:


Тембр или распределение энергии по частотному спектру

Еще один важный фактор для восприятия громкости - это тембр, в частности, чувствительность ушей к определенным цветам тона по сравнению с другими. Человеческие уши, естественно, более чувствительны к средним частотам по сравнению с низкими, как объясняется классическим исследованием кривых Флетчера-Мансона, которое в конечном итоге эволюционировало до сегодняшнего стандарта контура равной громкости ISO-226 . Понимание этого явления может помочь вам управлять большей громкостью ваших мастеров, но будьте осторожны, чтобы не поставить под угрозу музыку, жертвуя слишком большим количеством низких частот. Критическое слушание и внимательность всегда являются ключевыми моментами.

«Это откат к восприятию. Одна из вещей, которую мы очень рано усвоили в аудиотехнике, - это то, что мы не слышим басы так же хорошо, как слышим средние частоты. И под басом я имею в виду сигналы (грубо говоря) ниже 150 Гц или 100 Гц по сравнению с сигналами среднего диапазона между 500 Гц и 3 кГц.

Но если вы посмотрите на стандартный VU-метр, уровни ничего не говорят о восприятии. Любой желающий может провести этот эксперимент дома. Сыграйте два тона с одним и тем же показанием уровня/метра - один с частотой 50 Гц, а другой с частотой 1000 Гц. Между двумя тонами вы можете гораздо отчетливее слышать 1000 Гц. Звучит громче (это указывает на один из ценных аспектов измерения LUFS, который ДЕЙСТВИТЕЛЬНО включает восприятие при оценке уровня).

Это кое-что говорит нам о том, как мы воспринимаем звук и громкость. Если вы производите записи с непропорционально большим количеством энергии низких частот, они по определению, вероятно, не будут звучать так громко для слушателя. Это не значит, что мы не любим бас-барабаны 808. Мы хотим убедиться, что чувствуем и получаем правильную пропорцию. Но он кое-что говорит о том, чтобы мы обращали внимание на тональный баланс, соотношение между сигналами, к которым мы более чувствительны по сравнению с теми, на которые мы не обращаем внимание».
Узнайте больше о тембре в мастеринге:

Динамический контраст и его влияние на громкость

Когда дело доходит до громкости, динамический контраст обычно недооценивают. Обычно есть склонность дотянуться до компрессора, чтобы усилить динамику и поднять всю продукцию. Но есть что сказать о влиянии, которое может вызвать внезапное изменение динамики. Мы также не хотели бы ставить под угрозу естественное наращивание и кульминацию в эпической постановке, проталкивая ее через компрессор. Во многих случаях усиление или автоматизация громкости могут быть более эффективными для сохранения этих тонких динамических контрастов на стадии мастеринга. Узнайте больше о том, что Джонатан Винер говорит о силе динамических контрастов при создании громких записей.

«Вот где мы действительно подходим к содержательному определению громкости, которая передает эмоции. Я всегда привожу пример: когда вы ребенок, и ваша мать кричит, чтобы вы встали с постели, она привлекает ваше внимание, потому что она громкая. Когда ваша мать шепчет: «Я люблю тебя», это нежно и заставляет вас чувствовать что-то другое. Если она шепчет «вставай с постели», возможно, у тебя нет такой же мотивации. Но если она откажется от этого тихого предложения, а затем закричит: «Встань с постели!», Это будет означать усиленное изменение эмоционального состояния.

Вернемся к нашему мастеру. Итак, вы переходите от куплета к припеву. Припев становится жарче, и это заставляет вас чувствовать что-то другое, верно? Это изменение уровня звукового давления, изменение громкости, которое передает эмоции.

Часть искусства создания действительно отличных записей - это выяснить, как включить этот динамический контраст в вашу работу, чтобы не было слишком много. Есть такая вещь, как слишком большой динамический диапазон, когда вы действительно можете беспокоить слушателя. Если им приходится внезапно тянуться к контролю уровня, когда звучит припев, это проблема. Но может быть и обратное. Если вы не создадите какое-то чувство динамических изменений, вы потеряете возможность по-настоящему донести идею. Чтобы действительно улучшить впечатления и реализовать художественное видение от имени музыканта ».




Пиковый уровень в зависимости от среднеквадратичного уровня/пик-фактора

Говоря о слишком большой динамике в вашем миксе, «пик-фактор» относится к разнице между пиковым уровнем вашего микса и средним/среднеквадратичным уровнем. Более высокий коэффициент амплитуды - хороший признак того, что переходные процессы вашего микса могут быть слишком горячими по сравнению с остальными устойчивыми элементами в производстве. Это хорошая возможность спросить себя, может ли микс иметь слишком большой динамический диапазон и не может ли он получить пользу от некоторого продуманного управления переходными процессами. Более того, как и понятие громкости, «пик-фактор» также очень сильно зависит от контекста и не должен интерпретироваться независимо от программного материала. Как вы увидите в следующем разделе, жанр также играет важную роль в интерпретации этой информации.

«Пик-фактор - это термин, который выражает разницу между пиковым и средним уровнями. Более высокий коэффициент амплитуды обычно относится к большей наблюдаемой разнице между пиковым и средним уровнем. Например, удары малого барабана могут достигать пика на нуле, но когда малый барабан останавливается, остальные инструменты могут играть со среднеквадратичным значением около -16 дБ. Разница между этими уровнями - это отношение пикового значения к среднему, то есть пик-фактор. Цифры немного меняются, в зависимости от того, смотрите ли вы на один такт песни или на весь припев. Но это основная идея ».




Жанр

Восприятие громкости сильно зависит от жанра/материала программы. Когда вы думаете о том, насколько громок типичный хэви-металлический альбом по сравнению, скажем, с пластинкой, вы лучше понимаете, почему громкость не может быть просто определена одним единственным целевым значением. Однако у каждого жанра есть определяющие характеристики, которые служат полезными ориентирами, когда мы стремимся к громкости (пик-фактор, динамический контраст, тональный баланс и т. д.). Джонатан Винер расскажет нам больше ниже.

«Если вы думаете о разных жанрах, опыт динамики варьируется от одного жанра к другому. В классической музыке разница между пианиссимо, форте и фортиссимо требует, чтобы, если вы сидите перед динамиком, произошло бы значительное изменение уровня звукового давления. В то время как в поп-пластинке, если вы переходите от куплета к припеву, разницу в динамике можно передать за счет большего количества бэк-вокала, дополнительного синтезатора, снижения баса или чего-то подобного. То, как эта динамика выражается в одном жанре по сравнению с другим, очень отличается. Поэтому мы должны включить это понимание в наши решения по производству и освоению.

Возьмем идею записи классического рока . Разница между пиком и средним значением обычно составляет 8–12 дБ. Я не говорю о вступлении к треку. Я говорю о том, когда трек действительно готовится и звучит по-настоящему. Я думаю, что соотношение пикового и среднего значения является полезным ориентиром. Оттуда вы можете начать расширять его в других жанрах. С поп-записью (это было бы чрезмерным обобщением) вы, вероятно, увидите разницу между пиковым и средним уровнем на 2 дБ меньше.

Переходя к вашим типичным уровням RMS по жанрам, если вы смотрите акустическую джазовую запись , уровни, вероятно, будут находиться на уровне около -14 дБ RMS с разницей + -2 дБ между пиковым и средним значением. А если вы посмотрите на классическую музыку, ваши уровни могут быть в диапазоне 18-20 дБ RMS. Опять же, это грубые обобщения, но все они являются полезными отправными точками. Это некоторые из способов, которые могут помочь вам оценить, где будет находиться RMS, когда запись будет установлена на полную шкалу ».


Управление громкостью перед мастерингом

Наконец, бремя создания громких записей не просто ложится на плечи мастеринг-инженера. Это особенно полезно иметь в виду, если вы продюсер, мастеринг собственных сессий. Перед мастерингом можно многое сделать, чтобы добиться успеха в плане громкости - от написания песен и аранжировки до стадии микширования . Например, вы можете взять то, что вы узнали о динамических контрастах, и включить это в то, как песня написана или аранжирована. Пик-фактор - это то, что можно контролировать для большего эффекта на стадии микширования, а не мастеринга. Есть много других элементов, которые могут улучшить общую громкость вашей музыки, прежде чем перейти к стадии мастеринга.

Джонатан Винер подробнее расскажет о том, как лучше управлять громкостью во время микширования.

«Когда вы начинаете микшировать запись, легко попасть в ловушку создания того, что мы называем« ползучим »миксом. Например, вы начинаете с настройки ведущего вокала и одного инструмента во вступлении. В конце концов, приходит другой инструмент, и вы увеличиваете вокал, чтобы он не потерялся. Как только вы пройдете вступление и первый куплет, второй куплет станет немного горячее. В конце концов, вокал становится немного больше, и если вы посмотрите на уровни вокала с самого начала до третьего припева, вы начнете видеть разницу в 10 дБ, если вы будете солировать этот трек. Это рецепт настоящих испытаний в мастеринге.

Если вы не справились с путешествием основных элементов - будь то ударные и бас относительно вашего ведущего инструмента, что бы это ни было, - вы создаете проблемы, с которыми очень трудно эффективно справиться при мастеринге. Убедитесь, что вы управляете своим усилением во время микширования. Таким образом, когда приходит время мастеринга, предполагаемое путешествие динамики уже довольно хорошо продумано. Его необходимо встроить в микс, чтобы он мог эффективно реализоваться в достаточно «громком» мастере ».

Советы и лучшие практики для более громких мастеров с великолепным звучанием

Теперь, когда мы изучили некоторые из общих факторов, которые влияют на восприятие громкости нашими мастерами, вот несколько дополнительных рекомендаций (наряду с самородками аудиоразведки Джонатана Винера), которые помогут вам провести громкий и продуктивный сеанс мастеринга.

Сравнение A/B с согласованием по усилению между мастеринговым и немастерированным аудио

«Смысл сравнений A/B с согласованным усилением состоит в том, чтобы избежать смещения громкости - чтобы убедиться, что вас не обманывают при принятии решений только различия в уровне звукового давления, исходящего из динамиков. Мы хотим точно судить, помогает ли добавленный уровень треку или мешает ему.

Это особенно важно, когда мы сравниваем нашу отправную точку, файл микса, с мастер-файлом. Если ваш лимитер имеет усиление 6 дБ, то будет очень сложно оценить, работают ли ваши настройки эквалайзера или нет. Вот почему вы настраиваете среду мониторинга так, чтобы можно было легко сопоставить «до» и «после». В конце концов, вы должны убедиться, что выходящий уровень находится именно там, где вам нужно и чего вы хотите ».

Будьте в курсе стандартов нормализации потоковой передачи и громкости

«Я рекомендую людям познакомиться с нормализацией громкости и стримингом по двум причинам:

1) НЕ для того, чтобы вы могли использовать его в качестве цели, а для того, чтобы вы понимали, какие различные виды презентаций существуют в мире, когда музыка воспроизводится для потребителя. А поскольку нормализация громкости становится все более и более распространенной для потребителей, она открывает возможности для сохранения более динамического контраста.

2) Поймите, что различные стандарты нормализации громкости потоковых платформ будут снижать уровень на каждый дБ, превышающий их стандартизованный уровень. Если мы поднимаем наш уровень на стадии мастеринга, и все звучит отлично, потрясающе. Но если мы начинаем крутить его, и это звучит не лучше (или звучит хуже), тогда зачем мы это делаем?

Более того, когда люди говорят о целях, единственная область, где это полезно, - это понимание того, что получит потребитель. Отделите идею интегрированной громкости от всего остального, о чем мы действительно хотим думать при производстве музыки. Если вы сможете разделить эти две идеи, вы сможете лучше справляться с мастерингом музыки, чтобы удовлетворить цели исполнителя и потребности аудитории ».




Поймите, что качество воспроизведения постоянно меняется.

«Нам нужно постоянно обращать внимание на постоянно меняющийся опыт воспроизведения, потому что по мере его развития мы должны менять нашу практику. Мне определенно пришлось изменить то, что я делаю в ответ на технологию воспроизведения и инструменты мастеринга за последние 35-40 лет. Я думаю, что сегодня, через 5 лет, кто-нибудь, вероятно, столкнется с несколько иной версией тех же проблем. Так что обратите внимание.

AES недавно опубликовал новые рекомендации по громкости . Речь идет об аудиометаданных и рекомендациях специально для уровня воспроизведения для потоковой передачи, разговорного слова по сравнению с музыкой, а также в контексте альбома. С этим стоит познакомиться, опять же, чтобы вы кое-что понимали в презентации для аудитории, но не обязательно для определения вашей практики установки уровня в продакшене.

Но есть еще одна деталь. Одна из причин, по которой стандарты являются такими, какими они являются сейчас, заключается в том, что производители некоторых устройств воспроизведения не обеспечивают достаточного усиления для достижения уровня, необходимого потребителям. Тогда возникает тенденция к повышению уровня громкости, чтобы люди могли воспроизводить громче.

Со временем есть вероятность, что устройства воспроизведения будут развиваться так, что они позволят слушателям воспроизводить на любом уровне, который они хотят. И если мы дойдем до того момента, когда потоковые сервисы повсеместно принимают стандарты нормализации громкости, а производители устройств увеличивают свои выходы для соответствия рекомендуемому уровню, тогда мы можем увидеть сценарий, в котором все, музыка для изображения и только музыкальное представление калибруется до ... -23 или -24 дБ LKFS, который является стандартом громкости широковещательной передачи для изображения.

Все изменится, все изменится, и в ответ изменится эстетика музыки. Вот что еще в нем такого крутого. Пластинки, которые люди делали 30 лет назад, по звучанию так сильно отличаются от записей, которые люди делают сейчас, отчасти из-за разницы в технологиях воспроизведения ».

Громкость на службе у музыки, а не наоборот

Суровая реальность такова, что на самом деле нет одного простого ответа, чтобы заставить всех мастеров звучать громко. Музыка сложнее, чем одно целое число. Но хорошая новость заключается в том, что у вас есть много ориентиров, которые могут эффективно направить вас к творческому выбору, который приводит к постоянно громким, великолепно звучащим мастерам, которые оказывают влияние.

Громкость также зависит не только от ушей слушателя, но и от постоянно меняющегося характера воспроизведения - от устройств воспроизведения и аудиоформатов до развивающихся стандартов нормализации потоковой платформы. Поначалу это может показаться ошеломляющим, но, в конце концов, это помогает напомнить себе, что каждое решение, которое мы принимаем как звукорежиссеры, предназначено, прежде всего, для служения музыке и видению артиста. Все остальное вторично.
«Вы не только хотите, чтобы ваша пластинка была громкой. Вы хотите, чтобы ваша пластинка была хорошей и громкой или настолько хорошей И громкой, насколько вы можете ее сделать. Если артист счастлив и хорошо представлен публике, это самое главное. Делайте то, что, по вашему мнению, лучше всего для музыки и искусства ».